„Filmgeschichten“: Manifeste
BR 1964, 125’, DVD, OmU, Regie: Glauber Rocha, mit: Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães

Mit einer Einführung von Sonja Hofmann, Programmkuratorin Kino Latino Köln und Prof. Dr. Peter Schulze, Portugiesisch-Brasilianisches Institut der Uni Köln

Cinema Novo teaches that the aesthetics of violence are revolutionary rather than primitive. The moment of violence is the moment when the coloniser becomes aware of the existence of the colonised. Only when he is confronted with violence can the coloniser understand, through horror, the strength of the culture he exploits.
Glauber Rocha: The Aesthetics of Hunger, 1965

Der in ärmlichen Verhältnissen lebende Viehhirte Manuel erschlägt im Affekt seinen Landherren. Auf der Flucht schließt er sich dem Gefolge eines charismatischen Wanderpredigers an, doch seine Hoffnungen auf ein besseres Leben werden enttäuscht. Erfüllt von einer wilden Poesie und dem Willen, das eigene Können in den Dienst der Unterdrückten zu stellen, zeigt Glauber Rocha in diesem Schlüsselwerk des Cinema Novo das Potential seiner geforderten »Ästhetik der Gewalt«.

»20 Jahre ifs: Alumni im Fokus«
D/GEO/ASE 2019, 92’, OmeU, R: Elmar Imanov
Gäste: Elmar Imanov, Eva Blondiau

Eine Familie kurz vor der Auflösung: Inmitten heißer Sommertage geraten die unterschiedlichen Wünsche und Sehnsüchte von Samir, seiner Frau Fidan und ihrem Sohn Mahmud aneinander. Ein dramatischer Zwischenfall während eines Ausflugs an den Strand wird zur Zerreißprobe und zum Wendepunkt. Lakonisch und mit trockenem Humor navigiert der Film zwischen den drei eigenwilligen Figuren und porträtiert sie gleichzeitig als Fremde und Komplizen.

Der Film der beiden ifs-Alumni Elmar Imanov und Eva Blondiau wurde 2019 beim Internationalen Filmfestival von Rotterdam mit dem Preis der internationalen Filmkritik ausgezeichnet.

„Nrw Independants“
KURZFILMPROGRAMM ZUM 40. JUBILÄUM DES FILMBÜRO NW

Christoph Hübner: GRÜSSE VOM NACHBARN KARL (1980, 18’)
Rainer Komers: ZIGEUNER IN DUISBURG (1980, 38’)
Dore O. / Werner Nekes: JÜM-JÜM (1967, 10’)
Dietrich Schubert: EIN FILM ÜBER DEN DICHTER WERDENDEN NEBEL IM DEUTSCHEN WESTERWALD (1981, 17’)
Gäste: Christoph Hübner, Dietrich Schubert, Rainer Komers
Moderation: Sonja Hofmann und Marcus Seibert

Anfang der 80er Jahre schlossen sich Filmemacher*innen aus ganz NRW im Filmbüro NW mit damaligem Sitz in Mülheim an der Ruhr zusammen, um selbstbewusst ihren besonderen Film aus dem Ruhrgebiet, aus Düsseldorf oder Köln gegenüber dem Rest der damals noch geteilten Republik zu behaupten – und vor allem eine selbst-verwaltete Förderung ins Leben zu rufen. „Phantasie lässt sich nicht verwalten“ war einer der Slogans, „dem Land seine Bilder geben“ ein zweiter. Es ging um die filmische Erzählung des Flächen- und Industrielandes NRW: um die bislang fehlenden Portraits der Kumpel dichtgemachter Zechen, den politischen Protest gegen den Strukturwandel und um künstlerische Unabhängigkeit von den großen Zentren. Zum 40. Jubiläum des Filmbüro NW präsentieren wir witzige, kämpferische und schräge Kurzfilme aus dieser Zeit des Aufbruchs und freuen uns auf das Gespräch mit den Gästen.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Programmlänge ca. 80’

SCALAMARE
IT 2017, 11‘, Regie: Jiří Kylián, Jan Maliř, Choreographie: Jiří Kylián
Ein Ehepaar feiert den vierzigsten Jahrestag seiner Flitterwochen, die auf den Treppen des Monumento ai Caduti in Ancona begonnen haben. Vierzig Jahre später sind sie wieder an derselben Stelle, schauen zurück auf ihr Leben und versuchen, sich damit abzufinden und ihre sehr kurze und ungewisse Zukunft zu betrachten.

GATHA
CHN 2017 • 16‘ • Regie und Choreographie: Chenglong Tang
Gatha erzählt die Geschichte von zwei tibetanischen Brüdern, die eine religiöse Pilgerreise durch das mystische Tibet machen.

OCEAN’S MEMORIES
FR 2015, 9‘, Regie: Bertrand Guery & Thibaut Ras • Choreografie: Thomas Guerry
Eine Begegnung zwischen einem Tänzer und einer Musikerin an einem verlassenen Strand.

VANISHING POINTS
CAN 2014, 6‘, Regie: Marites Carino • Choreografie: Tentacle Tribe
Zwei Hip-Hop Tänzer stoßen in den Straßen von Montreal aufeinander – eine flüchtige Begegnung, die doch geprägt ist von einer intimen Synchronizität. 

TIMECODE
ESP / Katalonien 2016, 15‘, Regie: Juanjo Giménez • Choreographie: Lali Ayguadé
Timecode ist ein Live-Action-Kurzfilm. Luna und Diego sind Parkplatzwächter. Diego hat die Nachtschicht, Luna arbeitet tagsüber. 

COLD STORAGE
FIN 2016, 9', Regie: Thomas Freundlich • Choreographie: Valtteri Raekallio
Cold Storage ist ein kurzer Tanzfilm, der den virtuosen körperlichen Darbietungen und der melancholischen Komödie der klassischen Stummfilmleinwand huldigt.

CURING ALBRECHT 
GB 2017, 12', Regie & Choreographie: Jessica Wright & Morgann Runacre-Temple
Albrecht möchte geheilt werden: er kann nämlich nicht aufhören zu tanzen. Inspiriert von Giselle wurde der Film im eindrucksvollen Victoria Bad in Manchester gedreht. Es tanzt das English National Ballet.

Die Sammlung Leo Schönecker – Ein Filmprogramm mit Filmen aus dem Archiv Schönecker
CH 1975, 111’, R: Thomas Koerfer

Nach der Ermordung seiner hochbegabten Tiere muss Ottocaro Weiss seinen Flohzirkus einstellen und nach einer neuen Betätigung Ausschau halten. Der festliche Trauerumzug in einem Dorf bringt ihn auf eine skurrile Idee. Mit seiner Gehilfin Anja will er die Pest auf die Bühne bringen. um die Menschen aus ihrem trägen Konsumschlaf aufzurütteln. Pest bedeutet für ihn Freiheit und Gleichheit aller Menschen. In Johannes Wagner findet er einen Mäzen, der allerdings ganz andere Ziele verfolgt und aus einer Pestepidemie eigene Vorteile zur Unterdrückung der Menschen ziehen möchte.

Das Spielfilmdebüt des Schweizer Regisseurs Thomas Koerfer erhielt den Josef-von-Sternberg-Preis, Mannheim, für „die formal und inhaltlich gleich stark überzeugende filmische Übersetzung eines individuellen Bewusstwerdungsprozesses innerhalb einer etablierten Gesellschaft“.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Philmusik – Filmmusik und ihre Komponisten
I 1989, 124’, OmeU, R: Giuseppe Tornatore, Musik: Ennio Morricone

Wenn Ennio Morricone musikalisch von der längst vergangenen Freundschaft zwischen einem kleinen Jungen und einem Filmvorführer erzählt, dann sind Tränen der Trauer stets auch das Gefühl von Glück. Für CINEMA PARADISO hat Morricone eine Musik geschaffen, die stellvertretend für unser aller Erinnerung an Kindheit, Glück und Verklärung erklingt. Es ist pure Emotion, die ein melancholischer Blick auf ein längst vergangenes Italien liefert, als Kaleidoskop zwischen dörflicher Heimat und dem Erlebnisraum eines kleinen Kinos, das in die große magische Welt entführt. Niemand schafft es, jene Töne der Klaviatur des Sentimentalen besser zu treffen als Ennio Morricone.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

ISL 2019, 70’, engl. OF, R: Jóhann Jóhannsson, Erzählerin: Tilda Swinton

LAST AND FIRST MEN ist ein Film ohne Menschen, aber mit drei ganz besonderen Protagonisten: den in Beton gegossenen Zeugnissen des jugoslawischen Brutalismus, Tilda Swintons Stimme und der Musik des isländischen Komponisten Jóhann Jóhannsson, der die Soundtracks für SICARIO und ARRIVAL schuf und 2018 im Alter von 48 Jahren starb. Jóhannsson drehte etliche Super-8- und 16mm-Kurzfilme und verwendete auch bei der Aufführung seiner Werke häufig visuelle Elemente. Auf die Idee zu seinem ersten abendfüllenden Film brachten ihn 2010 die Bilder des niederländischen Fotografen Jan Kempenaers von den Kolossaldenkmälern der Tito-Ära. Der leidenschaftliche Science-Fiction-Leser Jóhannsson unterlegte seine 16mm-Schwarz-Weiß-Aufnahmen mit Auszügen aus dem gleichnamigen visionären Roman des britischen Schriftstellers und Philosophen Olaf Stapledon von 1930, mit überirdischer Stimme gelesen von Tilda Swinton. LAST AND FIRST MEN

ist ein hypnotisches Gesamtkunstwerk, ein Requiem für das Universum mit Anklängen an Kubrick, Tarr und die Avantgarde, und lässt das Kino zur puren Synthese von Bild und Ton werden.

Wenn du die Chefin oder der Chef im Museum wärst – wie würde das aussehen? Gäbe es eine riesige elektrische Raupe, auf der die Gruppen durch die Räume fahren? Werden glibberige Monster ausgestellt und gibt es endlich eine Ponyranch auf dem Dach? Nach einem Rundgang durch das Museum Ludwig entwirfst und gestaltest du dein persönliches Museum, mit allem Drum und Dran.

Bitte bring etwas zu trinken und einen Pausensnack mit.

Farben siehst du ihre Laune an: Manchmal halten sie sich vornehm zurück und füllen ganz brav und gleichmäßig eine Form aus. Aber manchmal platzt ihnen auch der Kragen, dann schütteln sie sich wie ein nasser Hund und spritzen und klecksen frech über die Leinwand. In der Werkstatt entscheidest du, welche Laune die Farben auf deinem Bild haben!

Bitte bring etwas zu trinken und einen Pausensnack mit.

Auf der Suche nach ihrer persönlichen Bildsprache haben sich die Künstler des 20. Jahrhunderts immer wieder vom Gegenstand gelöst und Form und Farbe zum Bildthema gemacht. Die Werke in den Museen werden Sie zu eigenen Wegen der Abstraktion inspirieren. So können Sie in diesem Kurs zu Ihrem individuellen Stil finden. Sie arbeiten mit Ölfarben, bitte bringen Sie Borstenpinsel mit.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

FR 1981, 81‘, R: Agnès Varda

Die Filmemacherin Agnes Varda nimmt den Zuschauer mit auf eine Reise durch Los Angeles und zeigt die unterschiedlichen Kulturen, Lebensweisen und Zeitgeister, die diese Stadt prägen.

Im Mittelpunkt stehen die vielen Wandbilder, die Murals, die das Stadtbild prägen. Der Film alterniert zwischen Vardas eigenen Worten und denen der verschiedenen Künstler, die diese geschaffen haben. Aber auch die Menschen, die in der Stadt und mit den Wandbildern leben kommen im Film zu Wort.

Auf den Bildern im Museum sehen manche Leute echt schräg aus: gelbe Haare, rote Punkte im Gesicht oder abstehende Kinnbärte kannst du hier bewundern. Wie wirkt das, wenn jemandem ganz grün, rot oder lila zumute wird? Oder wenn ihm riesige Ohren wachsen? In der Werkstatt malst und collagierst du deine Idee eines Portraits.

Bitte bring etwas zu trinken und einen Pausensnack mit.

Tanzfilme sind freilich alles andere als nur zeitgenössischer Tanz auf Film. Tanzfilme sind eine intermediale Mischform aus Tanz und Film, in deren Choreografie die Tänzer ebenso wie die Kamera mit einbezogen werden. Aus der Synthese von Tanz und bewegtem Bild entstehen Videos und Filme, die in ihrer zeitlichen und räumlichen Struktur auf der realen Bühne nicht möglich wären. Darüber hinaus bewirken Montagetechnik, Animationstechnik und elektronische Bildbearbeitung, dass sich im Videotanz nicht nur der Tänzer bewegt. Der ihn umgebende Raum wird ebenso in Bewegung versetzt – sei es der Außenraum, der alltägliche Innenraum oder eine fiktiv erschaffene Welt.

4 ME
IL 2017, 3', Regie/Choreografie: Roni Chadash
Über das Bedürfnis eins zu werden, während man vierfach verschieden ist. 

LUCA (m/w/x)
D 2019, 7', Regie: Hannah Schwaiger, Ricarda Funnemann
Luca (m/f/x) portraitiert einen jungen Schauspieler und Tänzer, den Geschlechterrollen noch nie interessierten. Der Zuschauer erhält eine Vorstellung von Lucas Überzeugungen, der Sehnsucht nach Freiheit und seinem Kampf auf dem Weg dorthin. Luca (m/f/x) ist die erste dokumentarische Arbeit von Ricarda Funnemann und Hannah Schwaiger.

HENK
NL 2018, 7', Regie: Sergio Gridelli, Choreografie: Andreas Denk, Josephine van Rheenen
Henk führt ein eigenwilliges, exzentrisches Leben. Als eine junge Frau unerwartet in seine Welt eindringt, wird er dazu gezwungen sich der Konfrontation zu stellen.

THE GODS OF TINY THINGS
AU 2019, 5', Regie: Deborah Kelly
Die gegenwärtige Vielzahl an Bedrohungen des Lebens; der Ruck nach rechts in der politischen Welt, die Tribute des Kolonialismus, Klimakatastrophen, die Verschwendungssucht des Menschen, und umgekehrt die dynamischen, kaleidoskopischen Freuden und Bedürfnisse des Lebens an sich. All das in allen Formen. 

OH! MILLION FIST!
Hong Kong 2017, 8', Regie: Hugh Cho, Choreografie: City Contemporary Dance Company
Tanz und Martial Arts haben den gleichen Ursprung. Selbst ein langjähriger Martial Arts - Kenner, arbeitet Tänzer Hugh Cho nun mit Meister Yuen Fai zusammen, um eine Choreografie zu entwickeln, die auf Kampfszenarios basiert und somit Actionfilm mit Tanz vermischt. 

WASHED
IS 2012, 13', Regie/Choreografie: Daphna Mero
Eine Wäschereiarbeiterin, die verzweifelt versucht die Frucht einer gewalttätigen Begegnung abzutreiben. Als ihr die Konsequenzen ihres Handelns bewusst werden, bahnen sich auch unterdrückte Erinnerungen ihren Weg zurück an die Oberfläche. 

BAREFOOT BUSKER
GB 2019, 3', Regie: Stuart Pound
Ein barfüßiger Tänzer spielt auf dem Marktplatz in Venedig und verstößt mit hoher Wahrscheinlichkeit gegen lokale Gesetze. 

SWARMING SYMPHONY
SE 2019, 4', Regie/Choreografie: Elle Frankenberg, August Florén
Ein neugieriges Treffen zweier Kakerlaken, zwischen Licht und Dunkelheit. Eine Stop-Motion-Liebesgeschichte in einem Akt. 

MY HOUSE IS NINJA
Frankreich, 2018, 3' Regie: Guillaume Thomas, Choreografie: House of Ninja
Nahezu drei Dekaden nachdem Willi Ninja verkündete „Ich will Voguing nicht nur in PARIS IS BURNING sehen, sondern in das echte Paris tragen, und das echte Paris damit in Brand stecken“ wurde Willis Traum wahr. Die Pariser Voguing-Szene blüht und das House of Ninja sorgt für das Fortbestehen von Willis Erbe. 

TREMBLE
GB, 2019, 5', Regie/Choreografie: Jessica Wright, Morgann Runacre-Temple
Ein abstraktes Esszimmer. 26 schottische Baletttänzer. Und jede Menge Marmelade… 

REACH
GB, 2018, 4', R: Billy Boyd Cape, Choreografie: Botis Seva
Ein Film über Liebe, Verlassenwerden und Vaterschaft. Eine Kollaboration mit Botis Sevas Hip Hop Theater-Kollektiv Far From The Norm, erstellt im Auftrag von Sadler’s Wells und Random Acts. 

BAILAORA
ES 2018, 15', Regie: Rubin Stein, Choreografie: Ana Blanco de Córdova
Ein Krieg. Ein Kind. Ein Traum. 

SISTERS
NL 2018, 15', Regie: Daphne Lucker, Choreografie: Emma Evelein
Drei Schwestern wachsen in einer zerrütteten Familie auf. Sie sind aufeinander angewiesen und überleben nur wenn sie zusammenhalten. Aber ist ihre innige Verbindung stark genug, um in dieser düsteren Umgebung zu bestehen?

Weitere Infos: www.moovy-festival.com und www.facebook.com/MoovyFest/

Angeregt durch verschiedene Ausdrucksformen von Künstlern wie Bernhard Schultze, Karl-Otto Götz oder Gerhard Richter werden Sie zu Kompositionen mit Farben und Formen inspiriert.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Tanzfilme sind freilich alles andere als nur zeitgenössischer Tanz auf Film. Tanzfilme sind eine intermediale Mischform aus Tanz und Film, in deren Choreografie die Tänzer ebenso wie die Kamera mit einbezogen werden. Aus der Synthese von Tanz und bewegtem Bild entstehen Videos und Filme, die in ihrer zeitlichen und räumlichen Struktur auf der realen Bühne nicht möglich wären. Darüber hinaus bewirken Montagetechnik, Animationstechnik und elektronische Bildbearbeitung, dass sich im Videotanz nicht nur der Tänzer bewegt. Der ihn umgebende Raum wird ebenso in Bewegung versetzt – sei es der Außenraum, der alltägliche Innenraum oder eine fiktiv erschaffene Welt.

HU 2018, 84', Dokumentarfilm, Regie/Choreografie: Réka Szabó

Die ungarische Jüdin Éva Fahidi war 18 als man sie nach Auschwitz deportierte, wo ihre ganze Familie ermordet wurde. Mehr als 70 Jahre später, erst im Alter von 90 Jahren, verarbeitete sie in dem Tanztheaterstück „Die Euphorie des Seins" ihr Leben. In diesem Dokumentarfilm begleitet die Filmemacherin und Choreografin Réka Szabó den Entstehungsprozess des Tanztheaterstückes mit der lebensfrohen Éva Fahidi. Zusammen mit der international arrivierten Tänzerin Emese Cuhorka tanzt sie gegen das Vergessen an. Szabó begleitete den gesamten Entstehungsprozess, angefangen bei dem ersten Treffen zwischen den beiden Protagonistinnen über die kräftezehrenden Proben bis hin zur ersten Aufführung von „Die Euphorie des Seins“.

Neben diesem künstlerischen Erfahrungsprozess dokumentiert der Film aber auch die sich allmählich entwickelnde Freundschaft zwischen den drei Frauen. Nach und nach werden Fahidis Erinnerungen geweckt und sie versteht, dass dieses Trauma für immer ein Teil von ihr bleiben wird.

Weitere Infos: www.moovy-festival.com und www.facebook.com/MoovyFest/

Tanzfilme sind freilich alles andere als nur zeitgenössischer Tanz auf Film. Tanzfilme sind eine intermediale Mischform aus Tanz und Film, in deren Choreografie die Tänzer ebenso wie die Kamera mit einbezogen werden. Aus der Synthese von Tanz und bewegtem Bild entstehen Videos und Filme, die in ihrer zeitlichen und räumlichen Struktur auf der realen Bühne nicht möglich wären. Darüber hinaus bewirken Montagetechnik, Animationstechnik und elektronische Bildbearbeitung, dass sich im Videotanz nicht nur der Tänzer bewegt. Der ihn umgebende Raum wird ebenso in Bewegung versetzt – sei es der Außenraum, der alltägliche Innenraum oder eine fiktiv erschaffene Welt.

Der Samstagabend ist einer Reihe gewidmet, die in 7 Tanzfilmen das Phänomen von Menschenmassen choreografisch untersucht.

ANTISTOLI (Counter-Uniform)
GR 2018, 15', Regie/Choreografie: Pantelis Makkas
Am 6. 12. 2008 wurde in Griechenland der Student Alexis Grigoropoulos in einer Demonstration von einem Polizisten ermordet. Der Filmemacher Pantelis Makka erfasst die Dynamik der Gewalt mit 60 Darstellern. Mit Hilfe einer High-Speed-Kamera wird aus der dreiminütigen Handlung ein Film von 15 Minuten. 

METRONOMIA – A Symphony
FI 2019, 10', Regie/Choreografie: Iivo Kunervo Korhonen, Markus Aho, Nikke Bagge
Die Metro kommt an und fährt los: Die finnischen Filmemacher und Choreografen Iivo Korhonen, Markus Aho und Nikke Bagge erfassen am Gleis eine breite Palette menschlicher Emotionen. 

INITIATION
Pl 2017, 18', Regie/Choreografie: Iwona Pasińska
Iwona Pasińska, eine der bedeutendsten Choreografinnen Polens. Sie erforscht toxische Beziehungen und ungezügelte Ängste, die soziale Probleme widerspiegeln. 

I'M NOT FEELING VERY WELL
HR 2019, 4', Regie: Sunčana Brkulj
Der Film ist ein frecher und frischer Animationsfilm, in dem singende Skelette davon träumen, aus ihrer strengen Form ausbrechen zu können. 

DROP OUT BODIES
FR 2017, 17', Regie: Ludivine Large-Bessette, Choreografie: Mathieu Calmelet
Die französische Filmemacherin Ludivine Large-Bessette und der Choreograf Mathieu Calmelet reinterpretieren in Drop Out Bodies den mittelalterlichen "Dance Macabre", den Totentanz. 

999
LT, 2019, 4', Regie: Luka Paulina Švėgždaitė
Luka Paulina Švėgždaitė aus Litauen filmte eine Boxmaschine, mit der junge Leute Hierarchien untereinander festlegen. 999 ist ein poetischer Film über Geschlechterrollen und Hierarchien. 

CULTES
FR 2019, 15', Regie/Choreografie: (LA)HORDE
Ist es möglich in einer so konsumorientierten Welt, in der Besitz nahezu heilig ist, so etwas wie eine spirituelle Erfahrung zu haben? Schafft es das Individuum seine eigene subversive Erfahrung zu kreieren? Gedreht wurde der Film während eines echten Festival mit 40.000 Besuchern.

Weitere Infos: www.moovy-festival.com und www.facebook.com/MoovyFest/

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

Tanzfilme sind freilich alles andere als nur zeitgenössischer Tanz auf Film. Tanzfilme sind eine intermediale Mischform aus Tanz und Film, in deren Choreografie die Tänzer ebenso wie die Kamera mit einbezogen werden. Aus der Synthese von Tanz und bewegtem Bild entstehen Videos und Filme, die in ihrer zeitlichen und räumlichen Struktur auf der realen Bühne nicht möglich wären. Darüber hinaus bewirken Montagetechnik, Animationstechnik und elektronische Bildbearbeitung, dass sich im Videotanz nicht nur der Tänzer bewegt. Der ihn umgebende Raum wird ebenso in Bewegung versetzt – sei es der Außenraum, der alltägliche Innenraum oder eine fiktiv erschaffene Welt.

D 2020, 3', Regie: Nora Pfahl

Choreografie: Dozent*innen und Küntler*innen des tanzhaus nrw Düsseldorf Ein Gemeinschaftsprojekt der Dozent*innen und Küntler*innen des tanzhaus nrw Düsseldorf als Reaktion auf den Lockdown 

DRAW A LINE
D/NG 2019, 85', Regie: Benedict Mirow, Choreografie: Richard Siegal
Choreograf Richard Siegel ist seit 2019 „Artist in Residence“ am Schauspiel Köln, wo er zunächst über zwei Jahre eine Kompanie aufbauen und mit ihr in Köln produzieren wird. Er gilt als künstlerisch unerschrocken, mit seiner Arbeit sprengt er die Grenzen des klassischen Tanzes. Die Dokumentation DRAW A LINE von Benedict Mirow begleitet Richard Siegal und sein Ballet of Difference vom Probenprozess zu On Body bis zu dessen gefeierten Weltpremieren in Köln und München. Sie zeigt die sprunghafte Etablierung der Gruppe als eine der gegenwärtig besten Kompanien für zeitgenössischen Tanz und feiert das kreative Talent hinter dem Ballet of Difference. Mirow drehte auch in Afrika, um die afrikanischen Wurzeln in Siegals Stil, mit denen er die deutsche Tanzszene transformierte, zu verdeutlichen. Ein starker Film über künstlerische Freiheit, die berauschende Kraft elektronischer Musik und die brutale Leidenschaft, schmerzhafte Disziplin und berührende Sinnlichkeit des Tanzes.

Weitere Infos: www.moovy-festival.com und www.facebook.com/MoovyFest/

Tanzfilme sind freilich alles andere als nur zeitgenössischer Tanz auf Film. Tanzfilme sind eine intermediale Mischform aus Tanz und Film, in deren Choreografie die Tänzer ebenso wie die Kamera mit einbezogen werden. Aus der Synthese von Tanz und bewegtem Bild entstehen Videos und Filme, die in ihrer zeitlichen und räumlichen Struktur auf der realen Bühne nicht möglich wären. Darüber hinaus bewirken Montagetechnik, Animationstechnik und elektronische Bildbearbeitung, dass sich im Videotanz nicht nur der Tänzer bewegt. Der ihn umgebende Raum wird ebenso in Bewegung versetzt – sei es der Außenraum, der alltägliche Innenraum oder eine fiktiv erschaffene Welt.

9
HK 2019, 2', Regie/Choreografie: Hon Leung Wong
Körper in Bewegung - zwischen 2D und 3D. 

JAH INTERVENTION
BR 2019, 16', Regie/Choreografie: Welket Bungué und Daniel Santos
Schwarze Menschen stellen nach wie vor mehr als die Hälfte der gesamten Bevölkerung des Landes dar. Zwischen 2005 und 2015 stieg die Zahl der Morde an Schwarzen um 18%, insgesamt machen sie sogar 71% aller Mordopfer des Landes aus. JAH INTERVENTION ist ein symbolischer Gang in die Erschöpfung.

BIRDS ON THE EARTH
FI/NO 2018, 11', Regie: Marja Helander, Choreografie: Birit Haarla und Katja Haarla
Zwei samische Balletttänzer (von dem indigenen Volk Fennoskandinaviens) zeigen den Widerspruch zwischen der Natur und der modernen Lebensweise auf. Der Film wurde mit dem wichtigen Jarva-Preis beim Tampere Short Film Festival ausgezeichnet. 

ANASA
BE 2018, 4', Regie/Choreografie: Maja Zimmerlin & Thomas Delord
Erdbeben.
Drinnen oder draußen.
Eine Verbindung mit Materie und deren Auflösung.
Erde, Stein, Sand und Meer.
Körper. Verbunden. 

MAKING MEN
BE 2019, 20', Regie: Antoine Panier, Choreografie: Harold George
MAKING MEN untersucht Fragen der Maskulinität. Im Mittelpunkt der Betrachtung stehen dabei vier Individuen, deren Prozesse der Man-Werbung in der atemberaubenden Landschaft Zimbabwes begleitet wurden.

TOPOZEL
PL 2019, 9' Regie/Choreografie: Iwona Pasińska
Inspiriert von den Skulpturen Stanisław Szukalskis wurde dieser Film in den Izerskie-Bergen der „Stanisław“-Quartmine gedreht. Ein Ort, an dem sich Magie und Realität vermischen und der legendäre Berggeist nach wie vor lebendig ist.

HOME
USA 2018, 17', Regie/Choreografie: Larkin Poynton, Chris Martin, Andrew Ellis, Ben Stamper
Eine junge Frau sucht nach einem Gefühl von Zuhause, nachdem sie einen Verlust von Unschuld erfahren hat. Während sie durch desolate Landschaften wandert, stellt sie sich neue Entwürfe von Familie vor. Eine Reise durch eine sich verändernde Wahrnehmung der eigenen Identität beginnt. 

CONSTANT CHANGES, SILENT WITNESSES
TR 2019, 17', Regie/Choreografie/Tanz: Jasmin İhraç
CONSTANT CHANGES, SILENT WITNESSES ist eine Geschichte über das Umherschweifen, die Transformationsprozesse in Istanbul, das Verschwinden von alten Gebäuden und Grünflächen, die Verdrängung von Menschen und deren Widerstand in den Fokus rückt. Zeugen dieser Veränderungen sind die Bäume der Stadt, manche bis zu 700 Jahre alt, die wie stumme Beobachter jener Geschehnisse scheinen.

Weitere Infos: www.moovy-festival.com und www.facebook.com/MoovyFest/

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

Ein Angebot für blinde und sehbehinderte Besucher*innen und ihre Freund*innen.

Beim lebendigen Rundgang verbinden Sie ausführliche Beschreibungen mit spontanem Austausch. Ziel der gemeinsamen Entdeckungsreise ist nicht die trockene Wissensvermittlung, sondern das anregende Erlebnis. Ausgehend von den ausgewählten Kunstwerken werden die Besucher*innen eingeladen, die Kunst im Gespräch selbst zu entdecken. 

Heute heißt es: experimentieren! Künstler*innen haben nicht nur mit dem Pinsel gearbeitet. Manche haben auch mit Dingen gedruckt oder Muster durchgerieben. Du siehst dir im Museum an, was für Bilder daraus entstehen können. Danach experimentierst du in der Werkstatt und probierst verschiedene Techniken in deinen Kunstwerken aus.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

USA 1959, 87’, 35mm, OF, Regie: John Cassavetes, mit: Ben Carruthers, Lelia Goldoni, Hugh Hurd
Mit einer Einführung von Holger Römers, Filmkritiker

Dem offiziellen Film in aller Welt geht der Atem aus (…) Die große Glätte ihrer Ausführung ist zur Perversion entartet, die die Falschheit ihrer Themen, den Mangel an Empfindsamkeit, ihren Mangel an Stil verbirgt (…) Wir glauben, dass der Film unteilbar ein persönlicher Ausdruck ist. Wir lehnen daher die Einmischung von Producern, Verleihern und Geldgebern ab, solange unser Werk nicht soweit ist, dass es auf die Leinwand geworfen werden kann.

Erste Erklärung der Gruppe Neuer Amerikanischer Film, 1960

Die drei afroamerikanischen Geschwister Ben, Lelia und Hugh schlagen sich mehr schlecht als recht in der New Yorker Jazz- und Beatnikszene durch. Ihr Alltag ist geprägt von subtilen Mechanismen der Ausgrenzung in einem zutiefst rassistischen Amerika. Mit einer halbdokumentarischen 16-mm-Kamera, improvisierten Szenen und dem treibenden Beat des Jazz schafft John Cassavetes in seinem Regiedebüt ein atmosphärisches wie auch politisches Porträt urbanen Lebens, das als wegweisend für den amerikanischen Independentfilm gilt.

Sie beschäftigen sich mit den farbintensiven expressionistischen Werken des Museum Ludwig. Bekannte Expressionist*innen wie Ernst Ludwig Kirchner, Gabriele Münter und Max Pechstein befreiten die Farbe von ihrer rein abbildenden Funktion und nutzten sie nun um ihren Gefühlen Ausdruck zu verleihen. Im Atelier lassen Sie sich von den Techniken der expressionistischen Künstler*innen zu kreativen Arbeiten anregen.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Welche Formen verstecken sich im Museum? Dreiecke, Quadrate, Wolken, Kreise und Ecke… aber findest du auch spitze, flache und sogar runde Ecken? Gemeinsam werden verschiedene Formen aufgespürt und das eckigste und das rundeste Kunstwerk gesucht!

Ein Angebot für blinde und sehbehinderte Besucher*innen und ihre Freund*innen.

Beim lebendigen Rundgang verbinden Sie ausführliche Beschreibungen mit spontanem Austausch. Ziel der gemeinsamen Entdeckungsreise ist nicht die trockene Wissensvermittlung, sondern das anregende Erlebnis. Ausgehend von den ausgewählten Kunstwerken werden die Besucher*innen eingeladen, die Kunst im Gespräch selbst zu entdecken. 

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Während der Ausstellung Mapping the Collection stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Sonntags von 13–15 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

Gleich­berech­ti­gung, in­di­gene Selb­stbes­tim­mung, Frauen­rechte und Black Pow­er: Die Auss­tel­lung wirft ei­nen in­ten­siv­en Blick auf die 1960er und 1970er Jahre in den USA. Sie fragt, wie Kün­stler*in­nen auf die sozialen En­twick­lun­gen und Um­brüche dies­er Jahrzeh­nte reagiert haben – und welche Vors­tel­lung von der Kunst dies­er Zeit an­der­er­seits unsere Erin­nerung geprägt hat. Welch­es Bild der USA wird hi­er repräsen­tiert? Welchen An­teil hat­ten in­di­gene Kün­stler*in­nen, wei­bliche Kün­stler*in­nen, queere Po­si­tio­nen oder »artists of Col­or« an der En­twick­lung der Kunst in dies­er Zeit?

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

MR/F 1970, 100’, DCP, OmeU, restauriert von der Cineteca di Bologna in Zusammenarbeit mit Med Hondo, Regie: Med Hondo, mit: Robert Liensol, Théo Legitimus, Gabriel Glissand

Mit einer Einführung von Karl Rössel, FilmInitiativ Köln e.V. / Afrika Film Festival

Wir gehen ins Kino und schlucken alles runter, was uns da aufgetischt wird! (…) Wir denken nie darüber nach (…), dass diese Filme wie Gift sind, dass sie uns nicht betreffen, dass sie noch nicht einmal unsere Sprache sprechen, dass sie nicht von unserer Überlieferung, von unseren Kulturen handeln, und von unserem Alltag und unserer Mühsal sprechen sie auch nicht! (…) DER EINZIGE Weg zu kämpfen, ist, alle Kinosäle und Verteilerkonsortien zu nationalisieren. Ja, wir brauchen ein nationales Kino, weil alles seine Zeit hat: Es gibt eine Zeit des Leidens, eine Zeit des Nachdenkens, und eine Zeit, die Wahrheit zu sagen. Dieser Augenblick ist nun gekommen.

Med Hondo: Les bicots nègres vos voisins, 1973

Paris in den 1960er Jahren: Ein mauretanischer Migrant erlebt auf der Suche nach einer Wohnung und einem Job den Rassismus und die Gleichgültigkeit der französischen Gesellschaft. In einer Mischung aus cinema verité, Satire, Surrealismus und Eisensteinscher Montage prangert Med Hondo in seinem Debütfilm die Auswirkungen und Entgleisungen von Kolonialismus und Kapitalismus an. Ein Akt der Wut und Befreiung, der ihn schlagartig als Stimme eines avantgardistischen, politisch engagierten afrikanischen Kinos berühmt machte.

In Zusammenarbeit mit FilmInitiativ Köln e.V. / Afrika Film Festival

Diese Führung legt den Fokus auf die im Museum Ludwig vertretenen Künstlerinnen. Für Frauen war das Ergreifen der freien Kunst als Beruf bis Ende des 19. Jahrhunderts durch viele Vorschriften erschwert. Inzwischen holen die Damen aber tüchtig auf. Beim Rundgang quer durch die Sammlung begegnen Ihnen unter anderem Kunstgrößen wie Eva Hesse, Gabriele Münter, Natalia Gontscharowa und Avery Singer.

Während der Ausstellung 'Dynamische Räume' stehen unsere Kunstvermittler*innen der Kunst:Dialoge Samstags und Sonntags von 12–17 Uhr in der Ausstellung und freuen sich auf Ihre Fragen zur Kunst.

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D 1920, 73’, DCP, Regie: Karlheinz Martin, mit: Ernst Deutsch, Erna Morena, Hans Heinrich von Twardowski
Mit Live-Musik von Tobias Thomas (Kompakt)
und einem Einführungsvortrag von Prof. Dr. Ulrike Hanstein, ifs internationale filmschule köln

Der Expressionismus will nicht passiv hinnehmen, er will gestalten. (…) Nicht mehr ist einfühlende und nachschaffende Psychologie das künstlerische Mittel: das metaphysische Wollen bestimmt die Schöpfung (…) Der Expressionismus stellt nicht den Gegenstand in seiner abtastbaren Wirklichkeit dar: es handelt sich um eine grundsätzlich andere Ebene des Daseins.

Rudolf Kurtz: Expressionismus und Film, 1926

Der Kassierer einer Bank stiehlt eine hohe Summe Geld – der Liebe wegen. Doch das ersehnte Glück bleibt aus und die Verlockungen der Großstadt stürzen ihn immer weiter ins Verderben. Als Low-Budget-Projekt mit unkonventionellen Inszenierungsideen gedreht, blieb der Erfolg für Karlheinz Martin seinerzeit aus. Mittlerweile gilt seine Verfilmung des gleichnamigen Bühnenstücks dank des expressionistischen Dekors, der expressiven Schauspielkunst und des Sujets einer grotesken Gesellschaft als einer der wenigen wirklich expressionistischen Filme.

In Zusammenarbeit mit KölnMusik

Kunst inspiriert die Sinne. Sie regt dazu an, sich über große und kleine Themen des Lebens Gedanken zu machen und über sie zu diskutieren. Das Museum Ludwig bietet mit seiner großen Sammlung von Kunstwerken aus dem 20. und 21. Jahrhundert viele Anknüpfungspunkte dafür. Es beherbergt Gemälde und Skulpturen berühmter Künstler wie unter anderen von Salvador Dalí, Picasso, Andy Warhol, Mondrian, Yves Klein oder Paul Klee. Beim Rundgang wird eine Auswahl bekannter Werke gezeigt.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch und sind gespannt auf Ihre Meinung!

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl empfehlen wir eine vorherige Anmeldung. Sollte es noch freie Plätze geben, erfahren Sie dies kurz vorher an der Information im Museum.

F/I 1962, 90’, 35mm, OmeU, Regie: Agnès Varda, mit: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Michel Legrand
Mit einer Einführung von Betty Schiel, Programmkuratorin Internationales Frauenfilmfestival Dortmund | Köln

Ich stelle mir den Film von morgen vor wie ein Bekenntnis oder wie ein Tagebuch. Die jungen Filmer werden sich in der ersten Person ausdrücken und schildern, was ihnen widerfahren ist, (…) und es müsste fast notgedrungen ankommen, weil es wahr und neu wäre. (…) Der Film von morgen wird nicht von Beamten hinter der Kamera gedreht werden, sondern von Künstlern, für die das Drehen eines Films ein wunderbares und erregendes Abenteuer darstellt. (…) Der Film von morgen wird ein Akt der Liebe sein.

François Truffaut: Der französische Film krepiert an den falschen Legenden, 1957

Cléo, jung, schön und eine beliebte Sängerin, droht eine schwerwiegende ärztliche Diagnose. Genervt von ihrem Leben im goldenen Käfig flieht sie auf die Straßen von Paris und lässt sich treiben. In Echtzeit und mit einer bewegten Kamera folgt der Film Cléo bei ihrem Streifzug, der aufgrund geringer finanzieller Mittel innerhalb von fünf Wochen in chronologischer Reihenfolge gedreht wurde. Eine gleichsam nüchterne wie poetische Liebeserklärung an das urbane Leben, die Kunst und das Ausbrechen aus Konventionen von der großen Abenteurerin der Nouvelle Vague, Agnès Varda.

IND 1955, 125’, 35mm, OmU, Regie: Satyajit Ray, mit: Kanu Banerjee, Karuna Banerjee
Mit einer Einführung von Daniel Kothenschulte, Filmkritiker und –kurator

What the Indian cinema needs today is not more gloss, but more imagination, more integrity, and a more intelligent appreciation of the limitations of the medium. (…) The raw material of the cinema is life itself.

Satyajit Ray: What is Wrong with Indian Films?, 1948

Der kleine Apu wächst in großer Armut im ländlichen Indien der 1920er Jahre auf. Als seine ältere Schwester stirbt, verlässt die Familie den Ort ihrer Vorfahren und zieht in die Großstadt. Weniger Glanz, weniger Musik, weniger Mystik, dafür ein unverstellter Blick auf die Wirklichkeit – sein Manifest für ein indisches Autorenkino setzt Satyajit Ray mit seinem epischen Regiedebüt um und schafft damit einen Klassiker des indischen Kinos.